一所音乐学院里，一名穿着西装革履文质彬彬的男孩问女孩：“你学什么的？”这名女孩说：“学扬琴的。”让女孩万万没想到的是，男孩接下来说的话充满了嘲讽和不屑，男孩说：“扬琴也算乐器？”女孩听后如同被雷击了一般，心里不禁发问：“扬琴不算乐器吗？”这是电影《闪光女孩》中不到1分钟的片段。故事发生在一所音乐学院里，学习西方古典乐器的学生一直看不起学习中国民乐的学生。在他们看来，民乐老土，有的学生甚至说“一听民乐就想烧香拜拜”，根本不配和钢琴、小提琴这样高级的西方乐器相提并论。中国民乐乐器真的不如西方乐器吗？开头说到的扬琴，就是中国民乐乐器代表之一。其实很多人接触中国民乐是比较有限的，往期是红白事上的唢呐、街边卖艺拉的二胡，再有就是电视节目里的古筝。其他的便知之甚少。那这扬琴是什么琴？和西方的钢琴一样吗？我们中国的扬琴和西方的钢琴可谓是“同宗同源”。为什么这么说呢？扬琴和钢琴可以说是一对“久违的兄弟”。它们是一对同源的乐器。当时的波斯地区有一种乐器，叫“桑图尔琴”，随着整个亚欧大陆之间文化交流的加强，这种乐器向东传入了中国；向西传入了欧洲。经过400多年的演变，传入中国的成为了现在的扬琴，而流传到西方(欧洲)的则成为了钢琴。乐器之间本没有高低贵贱之分，为何人们对西方的乐器总是高看一等，对本土的民乐乐器却不屑一顾呢？根源在于乐器演奏了什么音乐，给人听觉上带来什么样的感受。为什么这么说呢？因为很多人接触西方乐器演奏的曲目，感受就是好听。这里面的原因，说得直接一点，就是听到的曲目直接都是大师级演奏的，比如说贝多芬、理查德克莱德曼、朗朗以及周杰伦这样的。相反，很多人接触民乐乐器，往往是在一些戏曲节目、庙会活动、以及红白喜事上，而且演奏者的水平也参差不齐，给听众一种聒噪的感受。年纪大一点的人还能接受，毕竟是听戏曲长大的。但年轻人则不然，对民乐以及民乐乐器知之甚少。难道我们的民乐就要没落了吗？“快看这个抖音，他们演奏的《青花瓷》真好听，他们敲的是什么乐器？”一位朋友给我发来了一段视频，视频里一男一女拿着两个敲把在有节奏地敲击着琴弦。视频中这对组合叫“扬琴cp”，他们以扬琴演奏和基础知识普及为主要内容。他们演奏的乐器便是民乐乐器：扬琴。观察仔细的人会发现，这我们的扬琴和西方的钢琴原理一样呀！“琴锤”(扬琴称琴竹)敲击钢弦发声。所以说，扬琴和钢琴“同宗同源”，原理都一样，只不过一个是按，一个是敲。乐器上无高低，关键在什么人演奏以及演奏了什么曲目。这对扬琴cp毕业于北京中央音乐学院扬琴专业的研究生，他们两个人还都是95后。两个人定期在抖音上发布扬琴演奏的歌曲，从今年6月在抖音注册账号至今，发布的8条短视频点赞16万，有300万网友看过，每周三场的扬琴表演直播，也有超过10万观众。他们演奏过的曲目有《父亲》、梦华录的片尾曲《不惜时光》以及《特别的人》。用民乐乐器演奏流行歌曲，真是让人眼前一亮。音乐不分乐器，关键看人怎么利用这把乐器演奏好，给人带来舒适的感受。你有在抖音上看到过民乐的演奏吗？感觉怎么样吗？

日暮斜阳送晚霞，云烟渺渺似轻纱。悠扬琴 曲声声慢，断续歌声噙泪花。

扬琴是一种中华民族的传统乐器，初在沿海地区流行，后来传入内陆各个省份并演变出多种不同的流派。早期扬琴在民间艺术领域具有着重要的影响，因为民间音乐人士结合自己的演奏经验推陈出新，创新了扬琴的演奏技巧，进一步促进了民间器乐的发展。不同地区的扬琴演奏都有各自独特的流派风格，例如江南地区的丝竹琴、两广地带的粤风琴以及东北地区的扬琴等。在这些地区中，广东的扬琴艺术历史较为悠久，并且传统的扬琴演奏技巧也种类丰富、形式多样，其中包括“衬音”、“加花”和“顿音”等。衬音技巧常被用于扬琴演奏中，可以使音调更加流畅，节奏更具律动感，同时还可以突出音量；加花技巧则能够使曲调更富表现力，其频率和次数在扬琴演奏中也较高；顿音技巧则在曲调中加入了顿挫感，音乐形象更加饱满。颤竹技法也是常见的扬琴演奏技巧，可以采用单颤法或双颤法根据曲目的节奏、速率等元素进行选择。在东北地区的扬琴演奏中，滑颤技法源自当地传统的皮影戏，同时也注重创新发展，与江南地区所奉行的“韵”“雅”以及广东风格有所不同。这些演奏技巧的运用能够使扬琴演奏更具个性化和表现力，展现出不同地区的文化特色。在1950年代，扬琴从民间艺术走进音乐教育领域，许多音乐院校也创设了扬琴学科和课程，对我国音乐事业的发展做出了重要贡献。但同时也出现了一些问题，如节奏过于平直，缺少曲线特色等。为了提高扬琴演奏的表现力和独特性，音乐人开始吸纳其他器乐的优势，如古筝、琵琶等乐器的演奏技法，探索技法融合的可能性与有效性，终形成了刮奏、拨奏等新型演奏技巧。随着音乐形式的变化和发展，现代音乐演奏中也越来越多地加强了对扬琴的使用，扬琴独奏类曲目也加入了不少现代音乐元素。在提高扬琴艺术表现力和音乐质感的过程中，演奏者可以采用单手轮音的技巧提升音乐的流畅性，并用另一只手进行复调与和声的调整。一些扬琴作品还吸纳了钢琴演奏技法，打乱音乐的连续节奏，重组音乐的节奏结构，进一步提高扬琴音乐作品的感染力和表现效果。这说明，随着时代的发展，艺术也在不断地演进，融合不同的元素，扬琴也能够更好地适应和发展。扬琴艺术不断发展，新奇的演奏技法也不断涌现。随着时代的变迁，竹法的功能得到了更为多元的发展。现在，更多全新的演奏技法被成功地应用于扬琴艺术作品的演奏中。其中轮音和单音常用于加强音色的修饰效果，使音乐旋律更具炫彩、华丽的感觉。轮音的加入可以让乐曲显得委婉动听、意味深长，常被用于歌唱类的艺术作品中。而和弦分解和双音等演奏技法则常被用来烘托气氛、表达情感，或者描绘秀丽山川、雄伟景象等。这两种技法的声部能够明显地带来立体感。还有一些其他的演奏技法，如强音技巧可以用于表现急促湍流的瀑布，滑拨技巧可以用于表现涓涓水流，而弱音技巧则可以用于表现钟鼓敲击。在演奏者的精彩发挥下，这些多种音乐要素构成了生动逼真的场景，令观众如痴如醉，充分感受扬琴音乐的美妙之处。扬琴艺术不断地演进，多彩多样的演奏技法让它不断散发出耀眼的光芒。20 世纪 50 年代，扬琴从传统的民间艺术走向音乐教育领域，多所音乐院校创设了扬琴学科和课程，为我国音乐事业的发展作出了巨大贡献。然而，随着时间的推移，人们发现扬琴演奏容易出现问题，如过于平直的节奏、缺乏幅度变化和曲线特色等。音乐人士开始探索如何吸纳其他器乐的优势，将古筝、琵琶等演奏技法纳入扬琴演奏，提高其表现力和独特性。这些新型演奏技巧包括刮奏、拨奏等，通过批判性地分析技法融合的可能性和有效性，终形成了现代的扬琴演奏。随着音乐形式的变化和发展，扬琴开始在现代音乐中扮演着更为重要的角色。现代音乐加强了对扬琴的使用，扬琴独奏类曲目也融入了现代音乐的要素，增强了音乐声部的立体感和多元感。而一些演奏技法也不断地被创新和运用，例如单手轮音、复调与和声的揉捏以及采用钢琴演奏技法“打乱”二、三连音节奏的方式重组音乐结构等，这些技法的成功应用提高了扬琴音乐的质感和层次，赋予了作品更多的表现力和感染力。扬琴作为中国传统乐器之一，在不断地演进和发展中，出现了越来越新奇的演奏方式。其中，竹法是一种比较多元的演奏技巧，通过它可以达到更丰富的音色效果。此外，现代化的扬琴演奏还吸收了其他乐器的优点，采用了多种创新的演奏技法，比如轮音、单音、和弦分解和双音等等。例如轮音是一种常用于歌唱类作品的演奏技法，它可以使音乐更加委婉动听，意味深长。而单音则可以用来加强音色修饰效果，让音乐更具有炫彩和华丽的感觉。在扬琴演奏中，不同的技法可以用于不同种类的实景描写。比如，强音技巧可以用来表现急促湍流的瀑布，滑拨技巧可以用来表现涓涓水流，而弱音技巧可以用来表现钟鼓敲击等等。在演奏过程中，多种音乐要素和技法的巧妙组合，可以创造出栩栩如生的场景，令观众如痴如醉。

蒙古喉音唱法研究：14世纪蒙古帝国的乐器和表演传统蒙古喉音唱法是一种独特而精妙的声乐技巧，被广泛运用于14世纪的蒙古帝国音乐表演传统中。本文旨在探索蒙古喉音唱法在蒙古帝国时期的发展和应用，并分析其对当时音乐文化的影响。通过对相关历史文献和研究资料的综合研究，本文将回顾14世纪蒙古帝国的乐器和表演传统，深入探讨蒙古喉音唱法的技术特点和表演风格，同时探讨其在当时社会、宗教和政治环境中的重要性。14世纪的蒙古帝国是一个繁荣的帝国，其音乐和表演传统在当时发挥了重要的社会和文化作用。蒙古喉音唱法作为蒙古帝国时期具代表性的音乐表演形式之一，成为了这一时期音乐文化的重要组成部分。本文将通过对历史文献和研究资料的综合研究，探讨蒙古喉音唱法在14世纪蒙古帝国的乐器和表演传统中的发展和应用。蒙古帝国的乐器和表演传统是多样而丰富的，包括马头琴、扬琴、骨笛等多种乐器。这些乐器在音色和演奏技巧上与蒙古喉音唱法相互协调，共同构建了独特的音乐风格和表演形式。蒙古帝国时期的乐器和表演传统强调情感表达和故事叙述，融合了音乐、舞蹈和戏剧等多种艺术形式，为观众带来了身临其境的音乐体验。喉音唱法是一种独特的声乐技巧，通过控制喉咙和呼吸来产生多个声音同时共鸣的效果。它包括多种不同的喉音发声方式，如卡扎、背后等。这些技巧要求歌手具备高超的喉部控制能力和呼吸调节能力。蒙古喉音唱法通过声音的起伏和变化，表达出丰富的情感和意境，使听众能够深入感受到音乐的魅力。在蒙古帝国，蒙古喉音唱法被广泛应用于宫廷音乐、祭祀仪式和民间娱乐活动中。它不仅是表演者的技艺展示，也是社会交流和文化传承的重要媒介。蒙古喉音唱法在蒙古帝国时期的应用展示了其在音乐和文化领域的重要地位，同时也反映了当时社会、宗教和政治环境对音乐的影响。它在当时的乐器和表演传统中起到了重要的角色。在蒙古帝国时期，乐器和表演传统多样化，包括马头琴、扬琴、骨笛等各种乐器。这些乐器与蒙古喉音唱法相互协调，共同构建了独特的音乐风格和表演形式。马头琴是蒙古帝国时期具代表性的乐器之一，它是一种弦乐器，具有独特的音色和演奏技巧。马头琴的演奏者通过使用弓和手指技巧，可以产生丰富多样的音色和音效。在蒙古喉音唱法的演唱过程中，马头琴常常作为伴奏乐器，为歌手提供音乐背景和情感支持。扬琴是蒙古帝国时期常用的乐器之一。扬琴是一种弹拨乐器，通过手指弹奏琴弦产生音乐声音。在蒙古喉音唱法的演唱中，扬琴常常被用来弹奏旋律，与歌手的喉音声音相互呼应，创造出独特而动人的音乐效果。骨笛也在蒙古帝国的乐器和表演传统中占据重要地位。骨笛是一种吹奏乐器，通过吹气产生音乐声音。在蒙古喉音唱法的演唱中，骨笛常常用来演奏独奏部分或与喉音合奏，为音乐表演增添了动听的声音色彩。蒙古喉音唱法的技术特点也是蒙古帝国时期音乐表演中的重要组成部分。蒙古喉音唱法通过控制喉咙和呼吸来产生多个声音同时共鸣的效果。它包括多种不同的喉音发声方式，如卡扎、背后等。这些技巧要求歌手具备高超的喉部控制能力和呼吸调节能力。通过声音的起伏和变化，表达出丰富的情感和意境，使听众能够深入感受到音乐的魅力。它不仅在宫廷音乐中得到运用，还在祭祀仪式和民间娱乐活动中扮演重要角色。不仅是表演者的技艺展示，也是社会交流和文化传承的重要媒介。在蒙古帝国时期，音乐被广泛运用于社会、宗教和政治活动中，蒙古喉音唱法作为其中一种重要的表达方式，凝聚了人们的情感和信仰。结论通过对蒙古喉音唱法在14世纪蒙古帝国乐器和表演传统中的研究，我们可以深入了解这一声乐技巧的发展和应用。蒙古喉音唱法作为蒙古帝国时期具代表性的音乐表演形式之一，对当时的音乐文化产生了深远的影响。对于理解蒙古帝国时期音乐文化的演变和发展具有重要意义。参考文献：《河流和山脉歌唱的地方：图瓦内外的声音、音乐和游牧主义》《蒙古音乐、舞蹈和口头叙事：表演多样化的身份》《图文喉唱与泛音演唱在中亚音乐传统中的作用》#扬琴曲简介#

《天山诗画》作为扬琴的名曲，是由中央音乐学院黄河教授编曲，共分为五个部分，下面从这五个部分入手，对演奏技法进行分析。（一）引子部分的演奏技法引子部分呈现了天山的整体风光，演奏者要在演奏中突出“自然”，给人带来辽阔、清新的听觉感受。演奏者在击弦时，应松弛手臂和手腕，采用慢起、渐快、延长的速度控制好节奏。尤其当进入到引子部分的后分句时，演奏者要用稍快的单音动作演奏琶音，独立且松弛地演奏出每组音符，投入感情，轻轻敲打音符。（二）主题慢板部分的演奏技法主题慢板部分的演奏主要由轮音技法和交替单音技法构成。这一部分主要分为两段，第一段带有浓郁的新疆风情，演奏时完成从低音到高音渐强，再从高音到低音渐弱的过程;第二段的演奏手法与钢琴演奏手法类似，左手负责演奏主旋律，右手起到辅助的作用，呈现出跌宕起伏与绵延舒缓相互交错的音乐感受力。在第一乐段的前半部中，演奏者要加大发音点的力度，增加密集程度，营造出乐曲错落有致的美感。在第一乐段的后半部中，要求演奏者双手轮音，突出音乐的对比性和各声部的动势，表达出乐曲中对美景的渲染;在第二乐段中，演奏者的左手要保持旋律的连贯性，右手要保持和声的附着性，完成慢起、渐快、渐慢的演奏过程。在该部分的第三句演奏中，由于第三句是引出华彩部分的关键乐句，演奏者应当增加力度，对第三句进行精心处理，使其能够衬托、引入华彩部分。在主题慢板部分演奏时，演奏者应身体前倾、手腕轻松抬起和落下，以轮音的连贯性。（三）快板部分的演奏技法快板部分展现了欢快热闹的场面，突出了人的情感表达，所以演奏者要增强逻辑意识，把握好整体和局部，演奏出具有新疆舞蹈特点的节奏。快板部分主要分为两层，第一层模仿了新疆特有的手鼓声，以表达出人们在欢快地舞蹈，第二层比第一層的情感更加强烈，演奏力度也逐句增强，一直延续到高潮部分。演奏者要交替演奏出特性鼓点音型和流动性的弦音型，前者用较强的力度，后者用较弱的力度，使两者之间形成鲜明对比。演奏者还要根据乐句旋律的变化，调整力度变换。如在演奏明亮的旋律时，演奏者要使用“mf”力度;在演奏柔美的旋律时，演奏者要使用“f”力度;在演奏升高的旋律时，演奏者要使用更高一层的“f”力度。此外，在快板部分的力度变换时要自然、顺畅，尽量凭借演奏者精湛的演奏技法创造出缓冲区。由于整个快板部分强烈欢快、情感饱满、情绪高涨，所以演奏者应控制好双手弹奏，强化对重音，在练习中演奏者应当从慢过渡到快弹奏，使双手与腕臂配合协调。（四）再现部分的演奏技法在再现部分中，主要突出了人与自然和谐统一的主题，是对全曲的情感升华，引发人们无限遐想。这部分以连续的轮音演奏为主，在快板部分进入再现部分时应调整好呼吸，使演奏者处于放松状态，慢起弱进到第一个轮音，协调好双手的动作，把控好连贯的节奏起伏，做到强弱有度。演奏时要一句比一句弱，演奏技法与慢板部分较为相似，演奏者要舒缓、安静地演奏出乐曲，用以升华乐曲的情感，使听者陷入天人合一的思想境界，感受到大自然的气息，陶冶听者的情操，还要使听者感受到画面渐渐远去，给人以意犹未尽的体验。注：想要谈好这首曲子，可以去百度上搜一下黄河教授演奏的天山诗画，慢慢练习，不要着急。

民俗小知识——黔剧黔剧，流行于贵州省的地方剧种。由流传在贵州的曲艺扬琴（又名“文琴”、“贵州弹词”）于1953年发展而成的，主要以扬琴为伴奏乐器，地方特色浓郁。曾名文琴戏，是在贵州扬琴基础上发展起来的新兴地方剧种。从清康熙年间开始就在贵州流行，至今已有近三百年历史，于2008年列入第二批非物质文化遗产名录。俗话说知人论世，欲了解黔剧，必了解贵州。贵州位于我国西南云贵高原东部。全省面积为17万平方公里，辖4个地级市，两个地区和3个自治州，人口3900万，有汉、苗、布依、侗、彝、水、仡佬、土家、回、壮、瑶等48个民族。东与湖南省接壤，南与广西壮族自治区毗邻，西与云南省交界，北与四川省、重庆市相连。全省通称贵州高原，平均海拔1100米左右，属亚热带高原湿润季风气候，冬无严寒，夏无酷暑，特殊的地理环境和人文景观，孕育了贵州丰富多彩的民族民间文化，凸显出具地域代表性的一朵艺术奇葩便是黔剧。黔剧语言朴实亲切，音乐唱腔清丽婉转、优美动听并不断注入本省少数民族剧种（如侗戏）、民族民间优美迷人舞蹈、美丽独特的服饰道具、原生态少数民族音乐语汇，融会贯通，使其形成了代表贵州戏剧特有的艺术品格，迷人的艺术魅力和艺术感染力，成为贵州地方戏曲百花园中的一朵“奇葩”。黔剧主要分布在贵州省的贵阳市、毕节地区、安顺地区、黔西南、铜仁、盘县等二十多个县、市，曾经有专业及业余黔剧团二十多个，黔剧的民间艺术家们遍布了本省黔西、大方、织金、绥阳、凤冈、正安、思南、德江、安龙等几十个县、市。黔剧不但长于表现传统古装戏，如：《搬窑》、《珍珠塔》、《西厢记》、《卓文君》、《红楼梦》、《汉宫女皇》等，也演出了很多现代剧，如：《山高水长》、《一家兵》、《中秋月》、《月正圆》、《姊妹崖》、《贞女》等，更擅长表现苗、侗、彝等少数民族题材的民间故事剧和新编历史剧，如：《秦娘美》、《奢香夫人》、《张秀眉》、《神寨》、《秦娘美的后代们》等。黔剧在d和国家、戏剧界专家，艺术家的亲切关怀和爱护下，对黔剧剧种的成长和发展作出了卓越的贡献，总理为黔剧的题词：“发扬黔剧的自己风格，吸收其它剧种的优点，融会贯通，推陈出新为创造新黔剧而奋斗。”始终成为黔剧工作者为之拼搏的奋斗方向，不管是过去、现在、或是将来。